Hangar Bicocca - Spazio d’Arte Contemporanea ANTHONY McCALL Breath - The vertical works a cura di Serena Cattaneo Adorno

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ANTHONY McCALL, Portrait. Photo by HENRY GRABER   La nuova mostra dell’Hangar Bicocca è dedicata alle straordinarie sculture di luce di Anthony McCall. L’artista inglese, nato nel 1946, che da tempo vive a New York, presenta per la prima volta una serie di recenti Solid Light Films (ovvero film di luce solida), opere che dimostrano la tecnica multi-disciplinare dell’artista nella quale installazione, film e performance si sovrappongono creando un dialogo con lo spazio industriale dell’Hangar Bicocca - uno dei pochissimi luoghi espositivi al mondo che, per altezza e scala, può ospitare una serie di queste installazioni. Le opere che verranno esposte sono in gran parte inedite e datate dal 2004 al 2009, delle quali un’opera in particolare è stata concepita e prodotta espressamente per l’Hangar Bicocca. I lavori verticali Breath I e Breath II (‘04), Breath III (‘05), Between You and I (lavoro del 2006 presentato per la prima volta alla Round Chapel di Londra), Expecting e Meeting you Halfway (‘09), rappresentano una esplorazione delle possibilità di descrizione astratta del corpo o delle interazioni tra i corpi. McCall inizia a lavorare con film e performance nei primi anni 70, cominciando con una serie di performance all’aperto e servendosi del fuoco come materiale scultoreo, visibile ad esempio nell’opera intitolata Landscape for Fire (‘72). L’artista può inoltre essere considerato uno dei più importanti rappresentanti del cinema avant-garde londinese degli anni ’70 osservabile nei suoi film Argument (‘78) e Sigmund Freud’s Dora (‘79) che esaminano dibattiti contemporanei e nozioni di rappresentazione, genere e sessualità. L’artista ha ideato il suo primo Solid Light Film nel 1973 con Line Describing a Cone (un film in 16mm): pensando alla meccanica di proiezione dei film, nota che il fascio di luce ha una presenza tridimensionale la quale viene poi riversata sullo schermo bidimensionale dove le immagini si formano. Queste opere sono infatti semplici proiezioni che danno risalto in maniera sconvolgente alle qualità scultoree di un fascio luminoso. Negli spazi scuriti e riempiti di nebbia, le proiezioni generano un’illusione di figure astratte tridimensionali, degli ellissi, delle onde e delle superfici piane che gradualmente si espandono, si contraggono o accarezzano lo spazio – come pareti architettoniche effimere. In queste installazioni, l’artista scompone lo strumento cinematografo riducendo la pellicola alle parziali componenti temporali e visive, rimuovendo interamente lo schermo come la superficie prescritta per la proiezione. Le opere inoltre modificano il rapporto tra pubblico e pellicola, trasformando i visitatori in partecipanti, permettendo ai loro corpi di intersecare e modificare le forme transitorie. L’artista ha quindi rielaborato questo primo lavoro con l’ingegnosità del digitale per ottenere opere che si possono posizionare tra scultura e cinema. Scultura perché le forme occupano lo spazio tridimensionale e come tali possono essere scoperte solo camminando dentro e attorno alle loro stanze traslucide; cinema perché le forme e le stanze sono costruite attraverso luce proiettata, che è essa stessa in movimento, e che lentamente cambia secondo una struttura temporale che si definisce con lo scorrere del tempo. Scopo di McCall è aprire radicalmente l’oggetto d’arte ad un’esperienza fenomenologica e di durata nel tempo. Ogni opera che prende forma in una proiezione si basa su una complessa progettazione scientifica che coinvolge matematici e programmatori ed ha i suoi fondamenti in formule matematiche, equazioni algebriche e assiomi geometrici. Le proiezioni avvengono nello spazio oscurato, ma non sono del tutto silenziose: il rumore del proiettore, il mormorio del pubblico, i movimenti corporei creano una sorta di colonna sonora speciale che rende suggestiva e particolare l’esperienza del visitatore. Prima del 2004 McCall ha utilizzato forme orizzontali, con scala identica: il cono di luce del proiettore è di circa 10-12 metri di distanza dalla parete o pavimento sul quale è proiettata. «Ma - spiega l’artista - c’è una grande differenza nel rapportarci ad esse: nelle forme orizzontali ci si muove dentro e attorno ad ogni parte della scultura e la sorgente di luce è vicina al livello degli occhi; quelle verticali si elevano verso l’alto, cinque volte la nostra altezza, perciò ci si può solo muovere intorno alla parte più bassa della scultura e si guarda sopra al tunnel di luce anziché lungo esso. Simultaneamente le correnti d’aria disegnano la foschia e la portano ad avvitarsi con un movimento a spirale sino al punto in cui svaniscono nella lente del proiettore». Un recente interesse per l’artista è risultato in una moltitudine di presentazioni del suo lavoro in musei e gallerie a livello internazionale, dei quali si possono citare le seguenti istituzioni: Whitney Museum, New York (‘01-2); Museum Moderner Kunst, Vienna (‘03-4); Tate Britain, London (‘04); Hayward Gallery, Londra (‘04); Hartware Medien Kunstverein, Dortmund (‘04); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (‘05); Museum für Moderne Kunst, Frankfurt (‘06); Kunsthaus Zürich, Zurigo(‘06); Hamburger Bahnhof, Berlino (‘06-7). Hirshhorn Museum, Washington (‘08), Museum of Modern Art, New York (‘08). Recentemente e con grande successo è stata presentata la mostra di indagine itinerante Elements for a Retrospective iniziata al Musée de Rochechouart, Francia (‘07) presentata poi alla Serpentine Gallery di Londra (‘07-8), e attualmente allo Utzon Center, Aalborg in Danimarca (fino al 3 Febbraio ‘09). La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione illustrata con testo critico di Hal Foster. ANTHONY McCALL, Between You and I, 2006. Installation view at Peer/The Round Chapel, London, 2006. Photo by HUGH GLENDINNING The new exhibition of Hangar Bicocca is dedicated to a new series of projected solid-light sculptures by Anthony McCall. Much of McCall’s recently exhibited work has been horizontal in orientation. But since 2004, he has also been developing installations which explore height and verticality. This exhibition will present six of these works, only one of which has ever been exhibited before. They include Breath I (‘04), Breath II (‘04), Breath III (‘05), Between You and I (‘06), Coupling (‘09) and, commissioned specifically for the Hangar Bicocca, Meeting you Halfway (‘09). The series demonstrates McCall’s multi-disciplinary practice, where the fusing of installation, film, sculpture and performance creates a dialogue with the industrial space of the Hangar Bicocca, one of the few sites in the world that has the capacity to accommodate a series of this scale. Born in London in 1946, and currently living in New York, McCall started to work with performance and film at the beginning of the 1970s, initially with a series of open-air performances in which fire was used as sculptural tool; for example in the work Landscape for Fire (‘72); and through his Solid Light films, originally made in 16mm film, the artist is considered one of the important representatives of the 1970s London avant-garde cinema. The artist conceived the first Solid Light Film in 1973 with Line Describing a Cone. While thinking about the mechanical basis of film projections, he observed that the light beam has a three-dimensional presence before it is discharged on the two-dimensional screen where the images are formed. The Solid Light Films are in fact simple projections which celebrate not the image on the screen but the sculptural quality of the luminous, volumetric, beam. In the darkened spaces filled with mist, the projections produce three-dimensional enclosures based on abstract figures, ellipses and waves that gradually expand, contract, perhaps even embrace the space - like ephemeral architectonic walls. These installations modify the relationship between public and film, transforming the visitors into participants, allowing their bodies to intersect and to alter the transitory forms. Now using digital production techniques rather than film, the artist has since clarified his original concept to achieve works that can be positioned precisely between sculpture and cinema. Sculpture, because the forms occupy three-dimensional space and as such can be engaged while walking around and within the translucent walls and enclosed spaces; cinema, because the forms and the spaces are projected, and slowly change through the passage of time. Before 2004, McCall had employed exclusively horizontal forms. But, as the artist explains «there is a great difference in the way we relate to horizontal and vertical projections: in the horizontal forms one moves within and around every part of the projected object and the source of light is close to eye level; the vertical projections, on the other hand, rise to five times our height, meaning that the viewer can only occupy the lower part of the sculpture while observing the tunnel of light above them. But in either case, the defining membranes of light, together with the chambers they enclose, are made visible by the movement of the mist, with its sometimes spiraling movements, which carry the eye to the vanishing point around the lens of the projector». A renewed interest in the artist’s work has been made clear by his presence in an increasing number of exhibitions in international museums and galleries: the Whitney Museum, New York (‘01-2); Museum Moderner Kunst, Vienna (‘03-4); Tate Britain, London (‘04); Hayward Gallery, London (‘04); Hartware Medien Kunstverein, Dortmund (‘04); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (‘05); Museum für Moderne Kunst, Frankfurt (‘06); Kunsthaus Zürich, (‘06); Hamburger Bahnhof, Berlin (‘06-7); Hirshhorn Museum, Washington (‘08), Museum of Modern Art, New York (‘08). And to great acclaim, there has been an important traveling survey exhibition: Anthony McCall: Elements for a Retrospective, which started at the Musée de Rochechouart, France (‘07), traveled to the Serpentine Gallery in London (‘07-8), and is currently presented at the Utzon Center, Aalborg in Denmark (until February 3, ‘09). The exhibition will be accompanied by an illustrated catalogue with a critical text by Hal Foster. [Translation H.B.] www.hangarbicocca.it Photo Credit: Courtesy Sean Kelly Gallery, New York, Galerie Thomas Zander, Cologne, Galerie Martine Aboucaya, Paris.